Chacun a sa propre idée de l'Amérique, nourrie par des lectures, des musiques, des films, des rêves ou des fantasmes.Au gré de ses voyages, Sempé s'amuse de ce monde qui le fascine, l'impressionne et l'étonne. S'il demeure amoureux du jazz mais se révèle parfois déconcerté par la formidable liberté qui paraît régner dans le pays, rien ne lui échappe de ces moeurs nouvelles qui pointent au coin des rues. Au-delà du réalisme de certains croquis et dessins, le documentariste vigilant reste admiratif et lucide pour nous offrir sa vision de l'Amérique dans un parcours poétique où l'humour guide le lecteur avec une extrême délicatesse.

Dès son adolescence à Bordeaux, Sempé rêvait de pouvoir intégrer la famille des dessinateurs du New Yorker, le prestigieux magazine américain dont il admirait l'esprit. Ce rêve devenu possible, en 1978, il se rend régulièrement à New York pour travailler avec une équipe qui lui laisse une totale liberté. Bien que Français, Sempé dessine cent une couvertures et autant de «cartoons» en pages intérieures, ce qui est sans précédent dans l'histoire d'un magazine américain. Ces dessins new-yorkais, dont de nombreux inédits, sont ici rassemblés pour la première fois et accompagnés d'un entretien avec Marc Lecarpentier, ancien directeur de la rédaction et président de Télérama. Ils expriment le bonheur de vivre dans une ville unique, avec ses chats insouciants et ses humains minuscules, sa frénésie, ses nuages, son gigantisme, ses jazzmen et ses jardins oubliés. Lire la suite Fermer

Qui est Banksy? En réalité, la vraie question n'est pas de savoir qui il est, mais ce qu'il est, car c'est bien à travers son oeuvre que son engagement, clair et sans ambiguïté, se révèle au monde.

Kandinsky naît à Moscou en 1866. Il y suit des études de droit, avant de tout abandonner pour se consacrer à l'art. Au cours de son apprentissage de la peinture en Allemagne, il rencontre l'artiste Gabriele Münter, qui l'emmène sillonner le monde. Pendant très longtemps, le Russe fait figure d'amateur. Ce n'est qu'en 1908 qu'il débute sa véritable carrière : ses peintures deviennent plus abstraites et il y développe le principe d'autonomie croissante des couleurs. Quelques années plus tard, ses idées artistiques sont rassemblées dans l'ouvrage Point et ligne sur plan.

En 1961, trois ans après avoir rencontré Jeanne-Claude à Paris, Christo dessinait un projet pharaonique qui envelopperait un des monuments les plus emblématiques de la ville. 60 années, 25.000 mètres carrés de toile recyclable et 3.000 mètres de corde plus tard, la vision des deux artistes devient enfin réalité. Découvrez leur installation posthume avec ce livre qui réunit photos, croquis et une histoire de l'élaboration du projet. Comme la plupart des créations de Christo et Jeanne-Claude, L'Arc de Triomphe, Wrapped est éphémère, seulement présenté pendant 16 jours, jusqu'au dimanche 3 octobre 2021. En étroite collaboration avec le Centre des Monuments nationaux, le bâtiment historique a été emballé dans une toile en polypropylene recyclable bleu argenté grâce à des cordes recyclables rouges. Ce projet est la réalisation posthume d'un rêve de très longue date commun à Christo et Jeanne-Claude, qui dessinèrent les premiers plans pour emballer l'Arc de Triomphe en 1961, alors qu'ils louaient une petite chambre près du célèbre monument. Publié en guise d'hommage aux artistes défunts et à une vie de collaboration entre eux, ce livre rassemble des croquis originaux, des données techniques et des photos exclusives, pour donner à voir les coulisses et la genèse de cette oeuvre prodigieuse. Lire la suite Fermer

Derrière le nom de French Kiss se cachent d'abord trois artistes, John Stone, Tiwan et El Bent. Amis et confrères, ils ont souhaité, il y a quelques années, témoigner de leur amour et de leur passion pour un art dont ils ont fait leur métier : le tatouage.
Ils ont ainsi fait appel à des dizaines de tatoueurs du monde entier, leur proposant de se rencontrer et d'unir leurs styles le temps d'une illustration, puis d'un livre.
Ces oeuvres - près de 200 - se présentent ici sous forme de « flash », dessins caractéristiques d'un tatoueur que celui-ci propose aux amateurs de pièces uniques, aux indécis, à ceux qui, lors d'un salon, sont pris de l'envie d'ajouter un nouvel élément à la toile de leur corps. Tous les genres s'y retrouvent, du traditionnel au photoréalisme, du new school au tatouage japonais.
Partez à la découverte de ces différents univers, et, qui sait, peut-être y trouverez-vous l'inspiration pour votre prochain tatouage... Lire la suite Fermer

Jamais présenté en France, l'oeuvre du visionnaire William Morris a fortement marqué son époque en théorisant une utopie sociale, politique, écologique et artistique et en posant les bases de ce qu'on nommera plus tard les Arts & Crafts, qui défendent l'art dans tout et pour tous en réaction à l'industrialisation des savoir-faire artisanaux.
Designer textile, écrivain, poète, peintre, dessinateur, architecte, fabricant, militant socialiste, écologiste et incroyable théoricien, William Morris a développé un oeuvre complexe et a milité pour qu'on considère d'une nouvelle manière l'art et l'artisanat, mais aussi les artistes et les artisans de l'Angleterre victorienne de la fin du XIXe siècle, marquée par l'apparition d'une société industrielle. Il est célèbre à la fois pour ses oeuvres littéraires, son engagement politique socialiste, son travail d'édition et ses créations dans le domaine des arts décoratifs.
En réaction à la révolution industrielle qui a marqué l'époque victorienne, William Morris affirme l'importance de toutes les formes d'art - peinture, architecture, graphisme, artisanat, littérature ... Il oeuvre ainsi à redonner des qualités esthétiques aux objets, même les plus usuels, en produisant, par le travail manuel, de la beauté à l'usage de toutes les couches de la société et en valorisant les savoir- faire les plus rares pour aller contre le prosaïsme du monde industriel. Ses recherches formelles et historiques sur la culture Celte et le Moyen-Age nourrissent son inspiration et celles de ses amis artistes dont beaucoup appartiennent au mouvement des préraphaélites - Dante Gabriel Rossetti, Edward Burne-Jones, William Holman Hunt, John Everett Millais...- qui se crée autour de lui.
La nouvelle organisation éthique de l'art, théorisée par Ruskin et mise en place par William Morris, ajoute à son oeuvre une dimension sociale et écologique, qui est aujourd'hui parfaitement d'actualité : expérience d'ateliers collectifs, retour à la campagne dans des colonies d'artisans, entreprises dont les profits sont reversés aux ouvriers, attention portée aux conditions de fabrication des objets manufacturés et le désir de prendre en compte la dignité de ceux qui les fabriquent, conviction que la « beauté » contribue à donner un sens à l'existence.
Avec cette exposition, La Piscine propose aux visiteurs de plonger dans l'univers de William Morris. Tapisseries, tentures, mobiliers, peintures, dessins seront présentés dans une scénographie volontairement immersive imaginée par Cédric Guerlus. Lire la suite Fermer

La popularité toujours vivace de Gustav Klimt (1862-1918) s'explique non seulement par l'attrait particulier qu'exercent ses toiles luxuriantes mais aussi par les thèmes universaux sur lesquels il travailla: l'amour, la beauté féminine, le vieillissement et la mort.
Fils d'un orfèvre, Klimt composait des surfaces délicatement décoratives d'une luminosité précieuse, qui montrent la double influence des arts égyptien et japonais. Toiles, fresques ou frises, ses oeuvres se distinguent par des couleurs radieuses, des lignes fluides, des éléments floraux et des motifs rappelant la mosaïque.
Parce qu'il traite souvent de sujets en rapport avec la sensualité et le désir, ou l'anxiété et le désespoir, tout ce chatoiement est aussi chargé de sentiment. Les nombreuses figures féminines peintes par Klimt, reconnaissables entre mille par leurs formes voluptueuses, leur chair tendre, leurs lèvres rouges et leurs joues rosies, étaient particulièrement chargées de passion, à une époque où un érotisme d'une telle franchise était encore tabou dans la bonne société viennoise.
Ce livre présente une sélection d'oeuvres de Klimt, son univers pictural où le décoratif sert le désir, ainsi que son influence sur les générations suivantes d'artistes. Lire la suite Fermer

Parmi ceux à qui l'on doit notre représentation fantasmée de Paris le peintre et graphiste Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901) n'est pas des moindres. À travers ses gravures, affiches, peintures et dessins, l'artiste a immortalisé la vie nocturne parisienne à la Belle Époque et a fait figurer le quartier de Montmartre, au nord de la ville, parmi les premières destinations de plaisir et de création du monde.
Descendant d'une vieille famille de la noblesse française, Toulouse-Lautrec semble avoir été attiré très tôt par le monde des plaisirs, s'intéressant aux salles de danse, aux cabarets et aux maisons closes de Montmartre, et choisissant comme sujets de célèbres danseuses et chanteuses, telles que Jane Avril. Ses oeuvres représentent à la fois des scènes animées de spectacles et des portraits posés et sensibles saisis hors scène, notamment dans Le Sofa ou Le Lit. D'un point de vue stylistique, il maîtrisait autant l'art graphique, comme en témoigne ses affiches publicitaires de Jane Avril, que celui de l'esquisse, dessin libre et pourtant puissamment évocateur.
Malgré sa mort précoce à 36 ans, en raison de complications dues à l'alcoolisme et à la syphilis, l'influence culturelle de Toulouse-Lautrec fut immense. Cet ouvrage introductif nous emmène dans un univers de chanteuses, danseuses, musiciens et prostituées, et révèle ainsi un artiste profondément humain, doué d'un talent de figuration étonnant et d'un sens évident pour saisir l'énergie et les légendes de la ville. Lire la suite Fermer

Malgré les tribulations personnelles qui le maintiennent dans un mouvement constant, Ai Weiwei demeure un aimant culturel. Fondée sur ses positions politiques et son activité sur les réseaux sociaux comme sur ses interventions dans l'espace public, son approche contemporaine du «ready-made» et sa connaissance de l'artisanat traditionnel chinois, la renommé d'Ai dépasse largement le monde de l'art. Réalisée à partir de l'Édition collector limitée publiée par TASCHEN, cette monographie explore chaque étape de la carrière d'Ai, jusqu'à sa libération des geôles chinoises. Il comprend une large part de documents visuels qui retracent l'évolution du maître, depuis son premier séjour à New York jusqu'à ses dernières créations, et met l'accent sur certains moments déterminants : sa percée mondiale au début des années 2000, son oeuvre en porcelaine Sunflower Seeds pour le Turbine Hall de la Tate Modern, sa réaction après le tremblement de terre au Sichuan en 2008 et sa détention par la police en 2011. Grâce aux images des coulisses de son studio, aux photographies de production et aux nombreuses citations extraites d'interviews exclusives d'Ai, le livre offre un aperçu privilégié de sa méthode de travail, de ses influences et de son envergure. L'ouvrage comprend des textes d'Uli Sigg, ami de longue date d'Ai et ancien ambassadeur de la Suisse en Chine, et de Roger M. Buergel, commissaire de l'exposition Documenta de 2007 qui accueillit l'oeuvre Fairytale. Lire la suite Fermer

La légende de Jean-Michel Basquiat est toujours bien vivante. Synonyme du New York des années 1980, l'artiste apparaît pour la première fois sous la forme du tag SAMO, signature des commentaires caustiques et de fragments de poèmes qu'il inscrit sur les murs de la ville. Il surgit comme un élément d'une scène underground en pleine expansion, faite d'arts visuels et de graffitis, de hip-hop, de post-punk et de cinéma indépendant, destinée à rejoindre le florissant monde de l'art. Doué d'une puissance et d'une voix toute personnelle, Basquiat rompit avec le milieu établi et exposa grâce au circuit des galeries du monde entier.
Basquiat trouva son propre mode d'expression dans un style mêlant formes brutes, mots et phrases. Son oeuvre s'inspire des grands noms du jazz, de la boxe et du basket, et fait allusion aux secrets de l'histoire et aux sujets politiques urbains. Quand on l'interrogeait en effet sur ses sujets, il répondait: «la royauté, l'héroïsme et la rue». En 1983, il commença à collaborer avec l'une des stars les plus célèbres de l'art, Andy Warhol, et en 1985 il réalisa une couverture pour le New York Times Magazine. Lorsqu'il meurt, à 27 ans, il est reconnu comme l'un des artistes le plus talentueux de son temps.
Publié à l'origine en édition format XXL, cet aperçu inédit de l'art de Basquiat est désormais disponible dans un ouvrage plus accessible et compact en l'honneur du 40e anniversaire de TASCHEN. Grâce aux reproductions exceptionnelles de ses peintures, dessins et croquis les plus importants, il offre une proximité saisissante avec Basquiat à travers ses signes mystérieux et ses mots griffonnés, éclairés par une présentation de l'artiste par l'éditeur Hans Werner Holzwarth et un essai sur ses thèmes de prédilection et son évolution artistique de l'historienne d'art et conservatrice Eleanor Nairne. La vie de l'artiste est retracée, année après année, à travers des chapitres richement illustrés enrichis des citations de Basquiat et des textes critiques parus à l'époque, permettant de mieux appréhender son expérience personnelle et le contexte historique de son oeuvre. Lire la suite Fermer

Souvent associé à la naissance de l'impressionnisme dans le Paris du milieu du XIXe siècle, Edgar Degas (1834-1917) a en réalité échappé à toute catégorisation trop simpliste pour développer un style unique, profondément influencé par les grands maîtres, les corps en mouvement et la vie quotidienne urbaine.
Fils aîné d'une riche famille, Degas a participé à fonder la série d'expositions de l'art «impressionniste», mais s'en est rapidement dissocié pour adopter une approche plus réaliste. Ses sujets se sont portés vers les rues bondées et bruyantes de Paris et ses divertissements et plaisirs, tels que les courses de chevaux, les cabarets et surtout les ballets. Par leurs perspectives ambitieuses et décalées, ses représentations de ballerines, qui constituent près de 1500 oeuvres, sont toutes très marquées par l'attention portée au corps et la rigueur de la danse.
À travers des oeuvres comme Le Foyer de la danse à l'Opéra (1872) ou Musiciens à l'orchestre (1872) parmi d'autres, cet ouvrage offre une présentation incontournable de l'artiste qui a résisté aux catégories en créant la sienne propre, soit un monde mêlant résonance classique, compositions audacieuses et une fascination éternelle pour le mouvement, pour donner parmi les oeuvres les plus saisissantes et influentes de l'époque. Lire la suite Fermer

Les oeuvres de Christo et Jeanne-Claude sont des monuments fugaces. Gigantesques par leur envergure, ils sont toujours éphémères, créés pour n'exister que pendant un temps défini et ne laisser derrière lui que des impressions uniques, inégalables. «Depuis les plus petits Emballages réalisés à Paris au début des années 1960, jusqu'au motif délicat dessiné par des centaines de branches enlacées dans un voile textile translucide... les oeuvres de Christo et Jeanne-Claude n'ont rien d'abstrait, rien d'imaginé; tout est là - corporel et tangible.» (Lorenza Giovanelli) Entre biographie, analyse critique et catalogue, cette édition actualisée remet à l'honneur la fameuse Édition collector de TASCHEN. Elle revient sur l'ensemble de l'oeuvre de Christo et Jeanne-Claude, depuis les premiers dessins et les photos de famille jusqu'aux plans des futurs projets. Des centaines de photographies et d'oeuvres originales retracent les créations du couple ces 10 dernières années, telles que The Floating Piers et The London Mastaba, et abordent les travaux en cours comme Le Mastaba, Projet pour les Émirats Arabes Unis et L'Arc de Triomphe Empaqueté, Projet pour Paris.
Avec l'importante documentation photographique de Wolfgang Volz, il forme une célébration de l'oeuvre de deux artistes dont l'imagination a touché le paysage de chaque continent. Lire la suite Fermer

L'oeuvre d'Henri Matisse (1869-1954) révèle sa croyance éternelle dans le pouvoir des couleurs pures et des formes simples. Bien qu'il soit surtout reconnu pour sa peinture, Matisse s'est aussi illustré en dessin, en sculpture, en lithographie, dans l'art du vitrail ainsi que du collage, dont il a développé sa propre technique de découpage quand son grand âge l'empêchait de rester debout et de peindre.
Matisse a la plupart du temps peint des sujets classiques: nus, portraits, paysage animés de silhouettes, scène orientales et vues intérieures. Pourtant, son traitement des couleurs intenses et son dessin fluide lui confèrent une place de maître du XXe siècle. La palette de Matisse a particulièrement enchanté l'imagination moderne. Par son usage du bleu intense, du violet améthyste et du jaune d'oeuf dans toutes leurs nuances, il a libéré son oeuvre des carcans d'une représentation rigoureuse de la réalité et a plutôt cherché une «harmonie vitale», en prenant la musique comme source d'inspiration et figure de comparaison dans son travail.
Des grands tableaux remplis de motifs aux portraits simples et tendres, ce livre présente l'immense richesse et l'intense créativité qui a caractérisé la carrière de Matisse, en parcourant ses premières oeuvres rattachées au mouvement fauviste jusqu'à ses derniers projets tels que Jazz et la chapelle du Rosaire, à Vence. Lire la suite Fermer

Le 27 septembre 1900, Pablo Picasso, âgé de 19 ans, arrive à Paris pour s'y établir. Il y demeurera un demi-siècle, changeant plusieurs fois d'adresse et d'atelier, du Bateau-Lavoir de Montmartre au grenier des Grands-Augustins à Saint-Germain-des-Prés.

Si la suite de l'histoire s'écrit dans le sud de la France, enLe 27 septembre 1900, Pablo Picasso, âgé de 19 ans, arrive à Paris pour s'y établir. Il y demeurera un demi-siècle, changeant plusieurs fois d'adresse et d'atelier, du Bateau-Lavoir de Montmartre au grenier des Grands-Augustins à Saint-Germain-des-Prés.
Si la suite de l'histoire s'écrit dans le sud de la France, entre Vallauris et Mougins, c'est bien sur les bords de la Seine que le génie du peintre éclate et se déploie, des Demoiselles d'Avignon à Guernica.
Suivre Picasso à Paris, c'est arpenter les quartiers prisés des artistes, pousser la porte des galeristes et des graveurs, visiter les ateliers des amis, se perdre dans des bouges enfumés, goûter les plaisirs du cirque, du théâtre, du cinéma... ou guetter la lumière à la fenêtre de Fernande, d'Eva, d'Olga, de Dora ou de Françoise.

On 27 September 1900, 19-year-old Pablo Picasso arrives in Paris and spends half a century there, changing his address and atelier several times, beginning with the Bateau-Lavoir in Montmartre and finally to the Grands-Augustins attic in Saint-Germain-des-Prés. From Les Demoiselles d'Avignon to Guernica, it is on the embankments of the Seine that the painter's genius bursts forth and unfolds.
To follow Picasso around Paris is to wander through the popular districts where artists lived and worked, to push open the doors of the gallery owners and engravers, to visit the ateliers of his friends, to enjoy the pleasures of the circus, the theatre, the cinema and smoke-filled bars... or to watch for the light in the window of Fernande, Eva, Olga, Dora or Françoise.
Tre Vallauris et Mougins, c'est bien sur les bords de la Seine que le génie du peintre éclate et se déploie, des Demoiselles d'Avignon à Guernica. Suivre Picasso à Paris, c'est arpenter les quartiers prisés des artistes, pousser la porte des galeristes et des graveurs, visiter les ateliers des amis, se perdre dans des bouges enfumés, goûter les plaisirs du cirque, du théâtre, du cinéma... ou guetter la lumière à la fenêtre de Fernande, d'Eva, d'Olga, de Dora ou de Françoise.
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L'oeuvre de Joseph Mallord William Turner (1775-1851) déclenche une émotion proche d'une acquisition soudaine de la vue. Ses paysages terrestres et marins aux couleurs et lumières enchanteresses brûlent la rétine avec une force fondamentale, élémentaire, comme si le soleil lui-même brillait hors du cadre.
Pertinemment surnommé «le peintre de la lumière», Turner travailla la gravure, l'aquarelle et la peinture à l'huile pour transformer des paysages sereins appelant à la contemplation en tableaux palpitants de vie. Il enracina sa vie et son oeuvre sur les rives de la Tamise et au bord de l'océan, mais dans le contexte historique de la Révolution industrielle, il intègre aussi à ses paysages des navires, des trains et d'autres marqueurs de l'activité humaine, afin de juxtaposer pression de la civilisation et forces de la nature.
Ce livre explore le répertoire vaste et illustre de Turner pour présenter un artiste qui a combiné genre traditionnel et modernisme radical. Lire la suite Fermer

Même si son oeuvre ne compte à notre connaissance que 35 tableaux, ses toiles ont donné naissance à un best-seller inscrit dans la liste du New York Times, à un film avec Scarlett Johansson et Colin Firth. Elles attirent un nombre record de visiteurs dans les grandes institutions artistiques, d'Amsterdam à Washington et imposent des mesures spéciales pour contrôler la foule au Mauritshuis, à La Haye, où ils sont des milliers à défiler pour apercevoir l'énigmatique et séduisante Jeune Fille à la perle, surnommée la «Mona Lisa néerlandaise».

De son vivant, pourtant, la renommée de Johannes Vermeer (1632-1675) dépassait à peine sa Delft natale et un petit cercle de commanditaires. Après sa mort, seuls quelques collectionneurs et marchands d'art néerlandais ont empêché son nom de sombrer dans l'oubli. Hors des Pays-Bas, ses oeuvres ont souvent été attribuées à tort à d'autres artistes. Ce n'est qu'à la moitié du XIXe siècle que Vermeer a attiré l'attention du monde artistique, qui s'est soudain penché sur ses détails narratifs, ses textures finement nuancées et ses majestueux pans de lumière. Une fois le génie redécouvert, il est définitivement sorti de l'ombre.

Cette édition rassemble le catalogue complet de l'oeuvre de Vermeer réuni dans un format compact. Cette monographie regroupe ainsi, dans les meilleures reproductions imaginables, ses scènes paisibles et pourtant captivantes, trésors des galeries et musées européens et américains. Des agrandissements de détail éloquents et des essais soulignent le talent extraordinaire de Vermeer à témoigner des traditions et modes de l'âge d'or néerlandais, mais aussi à évoquer toute une histoire à travers une simple expression, un geste esquissé ou un regard fugace. Lire la suite Fermer

Pour l'artiste biélorusse Marc Chagall (1887-1985), la peinture formait une trame complexe, tissée de rêves, de contes et de traditions. Son langage visuel, immédiatement reconnaissable, s'est forgé une place unique au début du XXe siècle et est souvent reconnu comme précurseur en matière d'expression de la vie psychique.
Dans les toiles de Chagall, le pinceau se pose en touches libres, les couleurs, dont le bleu qu'il affectionne particulièrement, sont profondes et l'on remarque tout un répertoire de figures récurrentes tels que musiciens, coqs, toits, fleurs et amoureux en suspension dans le ciel. Ses compositions au charme éthéré sont souvent complexes, riches en références. Elles mêlent non seulement les couleurs et les formes, mais évoquent aussi ses racines juives et ses rencontres faites à Paris, de même que sa foi, révélée à travers des gestes d'amour et des symboles d'espoir, fait écho aux signes de traumatisme.
Cette introduction de référence à l'artiste explore les multiples formes que prend le vocabulaire perfectionné de Chagall. Entre les scènes de naissance, d'amour, de mariage et de mort, depuis les représentations de la Tour Eiffel jusqu'à celles de Vitebsk, sa ville natale, cet ouvrage rend hommage à un style unique, aussi gracieux à l'oeil qu'enchanteur pour l'imagination. Lire la suite Fermer

La vie d'Edward Hopper (1882-1967) ressemble un peu à une success story à l'américaine, sauf que son succès s'est fait attendre. À l'âge de 40 ans, l'artiste peu connu luttait pour vendre le moindre tableau. À près de 80 ans, il a fait la couverture du magazine Time. Aujourd'hui, un demi-siècle après sa mort, Hopper est considéré comme un géant de l'expression moderne, au sens de l'espace et de l'atmosphère tout à fait singulier, à la fois inoubliable et troublant.
Une grande partie de l'oeuvre d'Hopper met au jour l'expérience de la ville moderne. Toile après toile, il a représenté diners, cafés, vitrines, stations service, gares, chambres d'hôtel et lumières de la ville. Ses tableaux sont marqués par des juxtapositions de couleurs vives et un éclairage théâtral et cru, ainsi que des silhouettes très marquées qui semblent aussi intégrées qu'étrangères à leur environnement. L'atmosphère qui se dégage de cet univers est un mélange de trouble étrange, d'aliénation, de solitude et de tension psychologique, même si les scènes rurales ou côtières de l'artiste peuvent offrir un contrepoint de tranquillité ou d'optimisme.
Ce livre présente des oeuvres clés de Hopper pour mettre en valeur un acteur essentiel, non seulement de l'histoire de l'art américain, mais aussi de la psyché américaine. Lire la suite Fermer

Même si l'oeuvre de Johannes Vermeer (1632-1675) ne compte à notre connaissance que 35 tableaux, ceux-ci font partie d'un des portfolios les plus importants et les plus inspirants de toute l'histoire de l'art. Ses toiles ont donné naissance à un best-seller du New York Times, à un film avec Scarlett Johansson et attirent un nombre record de visiteurs dans les grandes institutions artistiques, d'Amsterdam à Washington. Vermeer s'est concentré sur le quotidien et les activités domestiques, de l'écriture d'une lettre aux exercices musicaux, en passant par les préparatifs culinaires. Ces scènes fascinent par leurs détails méticuleux, leurs plans de lumière majestueux et par le talent de Vermeer à suggérer des intrigues narratives. À travers des tableaux aussi populaires qu'Une dame debout au virginal, Femme écrivant une lettre et sa servante et, le plus célèbre, l'énigmatique et enchanteur Jeune fille à la perle, aux yeux grands ouverts, Vermeer n'évoque pas simplement les effets de substance et de texture, mais aussi les nombreuses histoires qui sous-tendent ces scènes. Grâce à des oeuvres clés et des textes synthétiques et accessibles, cette introduction essentielle explore la place majeure qu'occupe Vermeer dans l'histoire de l'art et son talent singulier à métamorphoser la peinture à l'huile en scène de vie plus vraie que nature. Lire la suite Fermer

Icône des années 1980 à New York, Jean-Michel Basquiat (1960-1988), s'est d'abord fait connaître par le tag «SAMO» avant d'établir son atelier et de se retrouver catapulté vers le succès à l'âge de 20 ans. Même si sa carrière a duré 10 ans à peine, il reste une figure culte de la critique sociale artistique et un pionnier qui a rapproché l'art du graffiti de celui des galeries.
L'oeuvre de Basquiat s'est inspirée de divers médias et sources pour élaborer un vocabulaire artistique original et insistant, attaquant les structures de pouvoir et de racisme. Il mêlait dans sa pratique l'abstraction et la figuration, la poésie et la peinture et s'inspirait aussi bien de l'art grec, romain et africain que de la poésie française, du jazz ou du travail d'artistes contemporains comme Andy Warhol et Cy Twombly. Le tout donne un mélange vif et viscéral de mots, d'emblèmes africains, de silhouettes de dessin animé et de barbouillis de couleurs vives, entre autres.
Ce livre présente la brève mais prolifique carrière de Basquiat, son style unique et son profond engagement dans les questions d'intégration et de ségrégation, de pauvreté et de richesse. Lire la suite Fermer

A handsome, affordable introduction to the modernist polymath who charted the rhythms of color across textiles, illustration, painting and more.

Sonia Delaunay was a true pioneer of modernist abstraction; breaking with the figurative vocabulary that subordinated color to subject matter, she placed dynamic color interaction at the core of her vision, whether expressed through painting, book illustration or costume and textile design. Drawing inspiration from both traditional Russian crafts and the modern frenetic metropolis, Delaunay's work reflects the drastic changes ushered in by industrialization. Through her polyvalent practice, Delaunay helped construct the new modern woman that she herself embodied: equal parts avant-gardist, creative entrepreneur and businesswoman.
This richly illustrated catalog showcases the range of Delaunay's work as it unfolded over 60 years, from abstract paintings and works on paper to textile design, garments, fashion photography, books and carpets--even a brightly colored sports car.
Born in Odessa, Ukraine, Sonia Delaunay (1885-1979) migrated to Paris in 1906 and became a key figure in the city's avant-garde scene. During these early years, her paintings underwent a formal shift influenced by the vivid colors of Fauvism. She soon met her husband, fellow artist Robert Delaunay, and the couple pioneered a fusion of Cubism and Neo-Impressionism that they termed Simultanism, which denotes abstract painting that uses color in a manner comparable to the use of sound and rhythm in music. In 1964, Delaunay became the first living woman artist to have a retrospective at the Louvre. Lire la suite Fermer

André Marfaing (1925-1987) est un peintre et graveur non figuratif français associé à l'abstraction et à l'art informel. Ce catalogue raisonné constitue un répertoire complet de son oeuvre peint, depuis ses premières peintures de « jeunesse » (1948-1952) jusqu'à ses dernières oeuvres achevées en 1986. À la fin des années 1940, Marfaing commence son aventure avec la peinture. Ses premiers essais sont des natures mortes, des paysages ou encore des portraits. En 1952, l'artiste franchit le pas de la non-figuration, une étape fondamentale qui le conduit très vite à l'abstraction. Ses huiles sur toiles sont marquées par une prédominance du noir, appliqué en couches épaisses. La violence et la vivacité des gestes s'y révèlent. L'artiste fait apparaître des contrastes entre le noir et le blanc, entre l'ombre et la lumière, entre le vide et le plein. À partir de 1971, Marfaing se tourne vers la peinture acrylique, ce qui engendre des modifications formelles au coeur de sa peinture. Ses toiles deviennent alors plus épurées et ascétiques. Ce catalogue raisonné retrace pas à pas le chemin de l'artiste, donnant à découvrir les oeuvres, les écrits, les amitiés et les combats de ce grand représentant de l'art abstrait en France. Lire la suite Fermer