Henk van Rensbergen is a Boeing 787 pilot who flies around the globe. While his crew rests at the swimming pool, he goes out to explore abandoned places in our world. From the breakaway state of Abkhazia, a floating warship cemetery in France, a forgotten love hotel in Japan to an abandoned rail depot in Detroit, van Rensbergen searches for the beauty of their desolation and pinpoints the richness of their decay. Van Rensbergen is a pioneering urban explorer. His Abandoned Places photo books (1, 2, 3 and The Photographer's Selection) have been highly successful. This complete revised edition shows his most iconic photos of the past 25 years, including new unpublished material and anecdotes.

Ce nouveau livre d'Invader est conçu comme une time capsule qui restera consultable quand Instagram, les smartphones ou même Internet auront disparu et auront été remplacés par d'autres technologies. Alors, on pourra parcourir cet « instabook », témoignage de dix années d'activités d'un artiste sur le grand réseau social d'une époque.

Dans cette édition révisée d'une série culte, Eliott Erwitt présente ses photographies de New York en noir et blanc couvrant toute sa carrière. Sur 16 nouvelles pages, les lecteurs découvrent pour la première fois des images inédites des années 1950 et 1960, leur permettant de s'immerger dans un New York des temps anciens.

Photographer Anders Petersen was hanging out at a dive bar on the Reeperbahn in Hamburg in 1968 when someone grabbed his camera from the table where he was sitting and started taking pictures. Petersen used the opportunity to photograph the culprit-and the rest of the bar's motley crew of patrons.

The resulting project is one of the most revered photobooks of all time, a celebration of a gritty city at the tail end of the sixties, and the cornerstone of Petersen's storied career. The images have become classics of their genre; Tom Waits used one for the cover of his legendary album Rain Dogs. Their candidness and authenticity remain as eloquent today as when they were first published in 1978.

This sumptuously produced reissue features a new foreword by Waits, and is certain to find a new audience, who will appreciate the stunning analog photography and its elegiac collective portrait of the fringes of society. Lire la suite Fermer

Redécouvrez l'art des préraphaélites, un groupe de peintres rebelles en rupture avec l'académisme, qui a révolutionné et influencé l'art anglais du XIXe siècle, jusqu'à l'éclosion de l'Art nouveau. Un hymne à la beauté, à la nature et à la sensualité.
En 1848, trois étudiants de la Royal Academy, à Londres, créent la confrérie préraphaélite et imposent un nouveau style basé sur l'observation directe de la nature. Leur mot d'ordre ? Retrouver une simplicité et une vérité qu'ils estiment perdues depuis Raphaël, à travers un art de lumière et de couleurs vives, de poésie et de séduction.
En six chapitres thématiques, l'art religieux, la littérature et la mythologie, le paysage, la vie quotidienne, le portrait, les arts décoratifs, ce livre dévoile les incontournables et les oeuvres plus secrètes d'artistes comme John William Hunt, John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti, Edward Burne-Jones, William Morris ou Lawrence Alma-Tadema.


Iconographie abondante et spectaculaire, comprenant des oeuvres très connues mais aussi des tableaux plus souvent confidentiels (tableaux, dessins, papiers peints, tapisserie, vitraux, céramique). Lire la suite Fermer

Les bannkorbe (« paniers de charme ») étaient une forme unique de technologie apicole qui était populaire dans le nord de l'Allemagne, notamment en Basse-Saxe, entre le XVIIe et le début du XXe siècle. Non seulement les Bannkorbe servaient de paniers de nidification, mais les masques bizarres qui les ornent généralement servaient à éloigner les mauvais esprits. Leur apparition au crépuscule avait également pour but d'effrayer les voleurs de miel et les ours. À l'aide de textes et d'images, Aladin Borioli a mené des recherches approfondies sur le terrain autour des Bannkorbe qui existent encore aujourd'hui. Profondément enracinée dans des croyances magiques, cette tradition représente une alternative inhabituelle à la ruche moderne et à l'optimisation économique de l'apiculture et de la récolte du miel. Le livre, qui contient des textes de Bas BLAASSE, paraît dans le cadre du C/O Berlin Talent Award 2023 et accompagne l'exposition Aladin Borioli. Bannkorbe au C/O Berlin. Lire la suite Fermer

Vivant et travaillant à plus d'un siècle d'intervalle, Julia Margaret Cameron (1815-1879) et Francesca Woodman (1958-1981) ont expérimenté des manières très différentes de réaliser et de comprendre la photographie. Ce catalogue accompagne une exposition à la National Portrait Gallery de Londres en mars 2024. Couvrant la carrière des deux artistes, il établit des parallèles entre les deux photographes, présentant de nouvelles recherches, des tirages vintages rares et des oeuvres d'archives inédites. Les oeuvres de l'exposition sont organisées en huit sections thématiques avec des essais de fond, offrant une opportunité accessible et engageante de considérer les deux artistes sous un nouveau jour.

Ce catalogue accompagne la grande rétrospective consacrée à Marina Abramovic par la Royal Academy à Londres, du 23 septembre au 10 décembre 2023. Au cours des cinquante dernières années, Marina Abramovic a acquis une renommée mondiale en tant que pionnière de la performance. Ce nouveau livre documente la première exposition britannique à inclure des oeuvres de toute sa carrière. Certaines de ses performances les plus connues y seront rejouées aux côtés de nouvelles oeuvres créées spécialement pour l'exposition.

Legendary photographer Annie Leibovitz's surprising - and surprised - account of her encounters with fashion.

'Looking back at my work, I see that fashion has always been there,' Annie Leibovitz observes in the preface to her new book, Wonderland.
'Fashion plays a part in the scheme of everything, but photography always comes first for me.
The photograph is the most important part.
And photography is so big that it can encompass journalism, portraiture, reportage, family photographs, fashion. . . . My work for Vogue fueled the fire for a kind of photography that I might not otherwise have explored.'

"One advantage I think is my design sense. When you're drawing, every element, every line, makes up what it is; and there is a feeling of that when I think about a shot." - Tim Burton

Tim Burton is the creative force behind some of the most celebrated films of the last four decades. He is internationally recognised as a master of the comically grotesque and the endearingly misfit. The World of Tim Burton will invite visitors into his world through an exploration of the design of his unique aesthetic. While most well-known for his cinematic work, this show will display the full extent of his production as an illustrator, painter, photographer, and author, as well as exploring some of the key collaborations that have helped shape his world. As a multi-disciplinary artist, his creations extend beyond the limits of mediums and formats. Drawn from Tim Burton's personal archive and representing the artist's creative output from childhood to the present day, this exhibition of drawings, paintings, photographs, sketchbooks, props, sculptural installations, storyboards and set design focuses on the recurrent visual themes and motifs found in the distinctive characters and worlds found in Burton's art and films.

This book will be the official catalogue for the exhibition, as well as the first publication to explore the relationship between Tim Burton's artistic creations and the world of design. The reader will be invited into an examination of what is now broadly referred to as the 'Burtonesque', exploring his iconic style and the impact his unique design aesthetic has on broader visual culture. The catalogue will unpack Tim Burton's distinctive visual language, exploring the intersection of gothic, carnivalesque and fantastical elements that define his cinematic masterpieces. Insightful essays by design experts and film critics, interspersed with images featured in the exhibition, will offer a deeper understanding of the director's creative process, making this catalogue an homage to the role that design practice plays in the hauntingly beautiful worlds he creates. Lire la suite Fermer

La photographie japonaise a été longtemps ignorée des Occidentaux mais connaît depuis peu une véritable renaissance. Ravens and Red Lipstick, du nom de deux célèbres séries, propose d´étudier cette production de 1945 à nos jours, du réalisme d´après-guerre, en passant par le groupe « Vivo » des années 1960 et la mode du « Girl power » des années 1990 jusqu´aux tendances contemporaines. Au fil des pages, les lecteurs rencontrent les figures-clés entrées dans l´histoire de la photographie, comme Daido Moriyama, Nobuyoshi Araki ou Rinko Kawauchi.

Le livre, publié en complément une exposition à Milan, vise à établir le remarquable talent de Miller en tant que photographe, la mettant sur un pied d'égalité avec Man Ray, dont le travail a eu tendance à éclipser le sien, et de réexaminer la relation professionnelle et personnelle du couple. Il révèle également les façons dont Lee Miller a inspiré le travail de Man Ray à cette époque ainsi que plus tard, y compris la découverte de la technique photographique de solarisation, qui est rapidement devenu le style le plus largement reconnu de Man Ray.

Ce livre classe l'illustration japonaise contemporaine en trois styles principaux : tradition, simplicité et modernité. Sa riche sélection d'oeuvres offre un aperçu de l'esthétique japonaise actuelle et de l'application de l'illustration à la conception graphique et au design de produits. L'ouvrage présente également une série exclusive d'illustrations Kawaii d'Omasu Harada et des entretiens avec huit designers de renom.

Par une nuit d'hiver à New York, en 1949, Walter Chandoha, jeune étudiant en marketing et photographe en herbe, découvre un chaton abandonné dans la neige. Il l'enveloppe dans son manteau et le rapporte chez lui, loin de se douter qu'il vient de rencontrer sa muse, celle qui va déterminer le cours de sa vie. Chandoha pointe son objectif sur son nouvel ami félin, prénommé Loco, et est si inspiré par le résultat qu'il commence à photographier les chatons du refuge local. Ces images marquent le point de départ d'une exceptionnelle carrière de 70 ans. Bien avant Internet et les chats sur Instagram, Chandoha fascine le public avec ses adorables boules de poils. De la publicité aux cartes de voeux, des puzzles aux boîtes d'aliments pour animaux, ses clichés renvoient un mélange d'amour sincère pour ces créatures, d'éthique professionnelle et de maîtrise technique sans failles. Caractéristique du style de Chandoha, la lumière glamour, qui met en valeur la fourrure de chaque félin, s'impose comme un incontournable du portrait animalier durant des générations et inspire des maîtres comme Andy Warhol qui puise parmi les charmants portraits de Chandoha pour son livre d'illustration de chats. Cats nous plonge dans les archives uniques en leur genre de l'artiste et en a extrait photos couleur prises en studio, portraits saisis dans leur contexte, clichés de rue noir et blanc, images vintage capturées lors d'expositions félines, charmants tableaux de chats et d'enfants, et bien d'autres. Cet ouvrage rend un hommage mérité à ces créatures fascinantes, mais aussi à un photographe décédé en 2019 à l'âge de 98 ans et dont la compassion et l'amour des animaux transparaissent dans la moindre de ses oeuvres. Lire la suite Fermer

Photography - A Queer History examines how photography has been used by artists to capture, create and expand the category 'Queer'. It bookmarks different thematic concerns central to queer photography, forging unexpected connections to showcase the diverse ways the medium has been used to fashion queer identities and communities.

How has photography advanced fights against LGBTQ+ discrimination? How have artists used photography to develop a queer aesthetic? How has the production and circulation of photography served to satisfy the queer desire for images, and created transnational solidarities?

Photography - A Queer History includes the work of 84 artists. It spans different historical and national contexts, and through a mix of thematic essays and artist-centred texts brings young photographers into conversation with canonical images. Lire la suite Fermer

Toutes deux classiques, inimitables, toutes deux icônes de la mode - Audrey Hepburn et Paris se retrouvent pour une rencontre au sommet. Tombée amoureuse de la ville dès son plus jeune âge, Audrey est revenue à Paris encore et encore dans certains de ses films les plus célèbres (Sabrina, Funny Face, How to Steal a Million, Charade) portant des tenues de son couturier parisien préféré, Hubert de Givenchy, marquant à la fois le cinéma et l'histoire de la mode du XXe siècle. Audrey in Paris rassemble plus de 100 photographies de ses moments les plus emblématiques de la ville, des photos de films et des scènes en coulisses aux images candides d'Audrey appréciant la ville lumière.

A photobook dedicated to players throughout time who have tried their hand at the beloved cerebral game, featuring text penned by chess enthusiast and acclaimed author Martin Amis

This is a book for chess Grandmasters, novices and inquiring laymen alike. It is a book for anyone who has wondered, as Martin Amis wryly asks in his contributing text, "What are they playing at?"
Marcel Duchamp's iconic quote, "All chess players are artists," resonates throughout the volume. David Hockney likened the game's strategic thinking to that of making art: "Drawing is rather like playing chess: your mind races ahead of the moves that you eventually make." "Chess is war over the board," said Bobby Fischer, Grandmaster and World Chess Champion, but here John Lennon and Yoko Ono checkmate this notion, with their all-white chess "peace" set.
Chess Players: From Charlie Chaplin to Wu-Tang Clan compiles photographs of notable figures playing the beloved game of strategy over the course of 130 years. The volume strings together zany and remarkable moments in time. In one image, players are captured on board a steamship crossing the Atlantic in 1888; in another, an astronaut studies a board in space. And, as the title suggests, Hollywood celebrities frequent the book's pages, playing chess on and off the screen: Humphrey Bogart deploys a Sicilian Defense against Lauren Bacall, while Faye Dunaway and Steve McQueen plot their next gambit in the iconic chess seduction scene from The Thomas Crown Affair (1968).
Featuring an introduction by Dylan Loeb McClain, former chess columnist for the New York Times, the photographs in Chess Players evince the enduring attraction of this cerebral game. The volume also features an interview with Viswanathan Anand, who is inarguably one of the greatest chess players in history.
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Photographe, écrivain, éditeur et conservateur, Alfred Stieglitz (1864-1946) était un visionnaire, très en avance sur son temps. Au tournant du XXe siècle, il fonda la «Photo-Sécession», un mouvement progressiste qui cherchait à faire évoluer les possibilités créatives de la photographie et, en 1903, il commença à publier Camera Work, un magazine d'avant-garde consacré à la diffusion des idées, par les mots et par l'image, de la Photo-Sécession. Camera Work, qui se concentrait davantage sur l'aspect visuel que sur la technique et qui proposait des illustrations d'une excellente qualité par photogravure sur papier japon, est le premier journal d'art photographique. Cet ouvrage rassemble l'ensemble des photographies publiées dans les 50 numéros de ce magazine.

Optic explore les effets optiques dans le design graphique contemporain. Certaines formes d'art ont eu plus d'impact sur le langage du design graphique que d'autres, mais peu ont contribué au même dynamisme, énergie et vitalité que l'Op Art. Les graphistes redécouvrent aujourd'hui avec délice l'art optique des années 1960, se délectant de son expérimentation et de ses résultats inattendus. La couverture comporte un disque optique rotatif appliqué, avec trois couleurs différentes (vert, jaune et gris).

From Blade Runner to Ghost in the Shell, visions of a dystopian future have long fascinated creatives around the world, making their way into pop culture through movies, games, TV series, novels and comics. Although storylines may vary, the visuals conjured typically capture the audiences' imagination through a compelling juxtaposition of high-tech, futuristic elements often involving cybernetics within a dark and gritty urban setting.

Inspired by the cyberpunk genre, Neontastic is a stunning collection of art and illustration by some of the world's leading practitioners that transports viewers to a world where fluorescence glows against an abyss of infinite possibilities. Atmospheric and evocative, each project offers a glimpse into a future that could come to be and asks the question: what if science fiction became reality? Lire la suite Fermer

Joel Meyerowitz: A Question of Color traces the experiments in color and black-and-white photography of the young Meyerowitz, a pioneer in the history of color photography.

An early advocate of color photography, Joel Meyerowitz has impacted and influenced generations of artists. For fifty-eight years, the master photographer has documented the United States' ever-changing social landscape.

During the late 1960s, Meyerowitz carried two cameras: one loaded with monochrome stock, the other with color. Just how, when, and why American fine art photographers switched from black-and-white image-making, prized within the gallery system, to color photography, once seen as the preserve of tourist photography, has been the cause of much debate.

In Joel Meyerowitz: A Question of Color, Meyerowitz tells the story of his early days as a photographer when he was told that serious photographers took black-and-white pictures. "But why," he asked, "when the world is in color?" He then bought a color camera and various rolls of film and began to experiment with color techniques: a passion he continues to pursue.

200 black-and-white and color illustrations. Lire la suite Fermer

One of the last surviving members of the futurist generation, Bruno Munari's Design as Art is an illustrated journey into the artistic possibilities of modern design translated by Patrick Creagh published as part of the 'Penguin on Design' series in Penguin Modern Classics. 'The designer of today re-establishes the long-lost contact between art and the public, between living people and art as a living thing' Bruno Munari was among the most inspirational designers of all time, described by Picasso as 'the new Leonardo'. Munari insisted that design be beautiful, functional and accessible, and this enlightening and highly entertaining book sets out his ideas about visual, graphic and industrial design and the role it plays in the objects we use everyday. Lamps, road signs, typography, posters, children's books, advertising, cars and chairs - these are just some of the subjects to which he turns his illuminating gaze. How do we see the world around us? The Penguin on Design series includes the works of creative thinkers whose writings on art, design and the media have changed our vision forever. Bruno Munari (1907-1998), born in Milan, was the enfant terrible of Italian art and design for most of the twentieth century, contributing to many fields of both visual (paint, sculpture, film, industrial design, graphics) and non-visual arts (literature, poetry). He was twice awarded the Compasso d'Oro design prize for excellence in his field. If you enjoyed Design as Art , you might like John Berger's Ways of Seeing , also available in Penguin Modern Classics. 'One of the most influential designers of the twentieth century ... Munari has encouraged people to go beyond formal conventions and stereotypes by showing them how to widen their perceptual awareness' International Herald Tribune
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Le penseur Soetsu Yanagi (1889-1961) est considéré comme le fondateur de l'esprit Mingei - de minshû (peuple) et Kogei (artisanat). Il refuse le luxe, l'apparence, la sophistication technique de l'artisanat aristocratique - le seul alors considéré au Japon - pour révéler la beauté simple des objets d'usage quotidien et leur dimension spirituelle. The Beauty of Everyday Things est l'essai dans lequel il expose sa pensée et fait l'éloge de ce que nous appelons aujourd'hui "les arts populaires".